Некоммерческие галереи
Некоторые некоммерческие организации или местные органы власти открывают художественные галереи для культурного обогащения и поддержки местных художников. Некоммерческие организации могут начинаться как выставочные площадки для коллективов художников , а затем расширяться в полноценные художественные программы. Другие некоммерческие организации включают искусство как часть других миссий, таких как оказание услуг районам с низким доходом.
- Artists Space была основана в 1972 году в Сохо, Нью-Йорк.
- Westbeth Gallery находится в ведении Совета жителей Вестбетских художников.
Коллекция
Монументальное произведение Герарда ван Хонтхорста « Концерт» 1623 года было приобретено NGA в 2013 году и впервые за 218 лет выставлено на обозрение.
В галереях NGA и в Саду скульптур представлены европейские и американские картины, скульптуры, работы на бумаге, фотографии и декоративно-прикладное искусство. Живопись в постоянной коллекции датируется от средневековья до наших дней. Итальянского Возрождения коллекция включает в себя две панели из Дуччо «s Maesta , в тондо из Поклонение волхвов по Фра Анджелико и Филиппо Липпи , в Боттичелли работы на ту же тему, Джорджоне » s Allendale Рождественское , Джованни Беллини «s Праздник Боги , Джиневра де Бенчи (единственная картина Леонардо да Винчи в Америке) и группы работ Тициана и Рафаэля .
Коллекции включают в себя картины многих европейских мастеров, в том числе версии Saint Martin и Нищий , по Эль Греко и произведения Маттиас Грюневальд , Кранах Старший , Рогир ван дер Вейден , Альбрехта Дюрера , Франса Хальса , Рембрандта , Яна Вермеера , Франциско Гойя , Жан Огюст Доминик Энгр , Эжен Делакруа и другие. Коллекция скульптуры и декоративно — прикладного искусства включает в себя такие произведения , как Чаши из Abbot Suger из Сен-Дени и коллекция работ Огюста Родена и Эдгара Дега . Другие основные моменты постоянной коллекции включают в себя второй из двух оригинальных наборов серии картин Томаса Коула под названием «Путешествие жизни» (первый набор находится в Институте искусств Мансона-Уильямса-Проктора в Ютике, Нью-Йорк ) и оригинальная версия картины Джона Синглтона Копли « Ватсон и акула » (две другие версии находятся в Музее изящных искусств Бостона и Детройтском институте искусств ).
Печатная коллекция Национальной галереи включает 75 000 репродукций, а также редкие иллюстрированные книги. Он включает коллекции произведений Альбрехта Дюрера , Рембрандта , Джованни Баттисты Пиранези , Уильяма Блейка , Мэри Кассат , Эдварда Мунка , Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга . Коллекция началась с 400 гравюр, подаренных пятью коллекционерами в 1941 году. В 1942 году Джозеф Э. Уайденер пожертвовал всю свою коллекцию из почти 2000 работ. В 1943 году Лессинг Розенвальд пожертвовал свою коллекцию из 8000 старых мастеров и современных гравюр; с 1943 по 1979 год он пожертвовал еще почти 14 000 работ. В 2008 году Дэйв и Реба Уайт Уильямс подарили свою коллекцию из более чем 5200 американских гравюр.
В 2013 году НГА приобретен у частной французской коллекции Хонтхорст «s 1623 картина, Концерт , который публично не рассматривается , так как 1795. После первоначального отображения 1,23-на-2,06-метра (4,0 на 6,8 футов) Концертном в специальной инсталляции в Западном здании NGA перенесла картину на постоянную экспозицию в голландскую и фламандскую галереи музея. Художники оценили продажную цену «Концерта» в 20 миллионов долларов, хотя NGA не раскрыла сумму, которую она заплатила.
Фото и описание
Национальная Галерея — художественный музей в Лондоне, в котором хранится более 2300 шедевров западноевропейской живописи с середины XIII века до 1900 года. По сравнению с другими подобными музеями — Лувром в Париже или Прадо в Мадриде — Лондонская галерея не может похвастаться такими же богатыми коллекциями. Но в отличие от них, в ее основе не лежит собрание картин из королевского дворца. Королевская коллекция живописи по-прежнему находится в частном владении британских монархов, а картины для Национальной Галереи покупались и собирались специально, что позволило представить в хронологическом порядке все основные течения европейской живописи, пусть не обширно, но полно.
В конце XVIII века многие художественные коллекции, принадлежавшие королевским дворам Европы, были переданы в национальное владение — так появились, например, Старая Пинакотека в Мюнхене или галерея Уффици во Флоренции. Необходимость создания национального художественного музея понимали и в Великобритании. Когда в 1777 году появилась возможность купить коллекцию картин сэра Роберта Уолпола, этот вопрос обсуждался в Парламенте, но решение о покупке принято не было, а 20 лет спустя эта коллекция, купленная Екатериной II, легла в основу музея Эрмитаж в Санкт-Петербурге. И только в 1823 году, когда на торги была выставлена коллекция Джона Ангерстайна (банкира, выходца из России), было принято решение о покупке.
Коллекция насчитывала 38 полотен, в том числе работы Рафаэля и Хогарта. Сначала они выставлялись в доме Ангерстайна, но по мере пополнения коллекции, возникла необходимость в новом, более просторном помещении. Архитектор Уильям Уилкинс выстроил новое здание Национальной галереи на Трафальгарской площади, на границе респектабельного Вест-Энда и бедных районов на востоке. Постановление Парламента от 1857 года гласило: «Конечная цель галереи не просто собрать картины, но дать людям возможность облагораживающего времяпрепровождения».
Коллекция быстро росла, очень много картин было куплено первым директором галереи сэром Чарльзом Истлейком. Свое личное собрание он также завещал галерее. Работы британских художников какое-то время выставлялись в Национальной галерее, но вскоре были перемещены в галерею Тэйт, которая специализировалась именно на британской живописи.
Во время Второй мировой войны полотна были перевезены в укрытие в Уэльс, но каждый месяц одну из картин возвращали в Лондон и выставляли в пустых залах галереи. В 1945 году картины вернулись в Лондон.
Как добраться
Точный адрес знакового объекта: Трафальгарская площадь, WC2N 5DN. Главный вход в здание располагается у крыла Сейнсбери. Добирайтесь на общественном транспорте, машине, велосипеде или пешком.
На метро: в 160 метрах от пункта назначения находится станция метро Charing Cross (Чаринг-Кросс) — пересечение линий Бейкерлоо и Северной. На схеме указаны коричневым и чёрным цветами. Имейте в виду, Северная линия разветвлённая — внимательно смотрите на название конечной станции.
На автобусе: прилегающая территория просто усеяна автобусными остановками. К примеру, до Трафальгарской площади (Stop G) вас довезёт транспорт № 139, 176, N21, N89, N199, N343, до остановки F — № 11, 15, 91, N11, N15, N91, N550, N551. Идите прямо по Данканнон-стрит, пока не увидите величественное здание с колоннами и куполом.
На велосипеде: ближайшие велосипедные стоянки находятся на Оранж-стрит, Сент-Мартинс-стрит, Сент-Мартинс-Плейс и Дункан-стрит.
Пешком: расстояние от площади Пикадилли составляет метров 500. Если хотите прогуляться, идите вдоль Ковентри-стрит, ул. Хеймаркет и Оранж-стрит.
На автомобиле: от аэропорта «Хитроу» вы доберётесь за 50 минут. Двигайтесь по М4 и А4. Маршрут включает платные участки. Общественные подземные парковки есть неподалёку от площади и на Лестер-сквер. Услуга платная.
На такси: столица Великобритании изобилует такси. К самым популярным относятся Uber, Kabbee, Kapten, Bolt. Доступны через приложения.
Национальная галерея Лондона на панораме Google: вид снаружи
Видео о Британской национальной галерее:
Masha?
Бесплатный вход в один из лучших музеев Лондона! Стоит заглянуть
Vladimir
Жаль что закрывается в 6 вечера :(( и при этом с 5:40 уже ласково всех потихоньку выпихивают наружу )))
Смотреть отзывы на
Тейт Модерн и Тейт Британия
Галерея Тейт в Лондоне — крупнейший комплекс художественных музеев Великобритании. В их стенах хранятся шедевры британского искусства с 1500 года по настоящее время.
К концу прошлого века коллекция музея стала настолько огромной, что места для ее хранения (не говоря уже о показе) перестало хватать. В результате коллекция была разделены на две части: на современную живопись (в понимании кураторов это XX век), она стала отдельной галереей «Тейт Модерн» и британскую «Тейт Британия».
Галерея «Тейт Британия» — это английский аналог нашей Третьяковской галереи.
История
Галерея основана в 1897 году на средства сэра Генри Тейта (он изобретатель рафинада и сахарной ваты). Коллекция музея сформировалась благодаря музею Южного Кенсингтона, и частным собраниям картин. Их владельцы решили отдать в дар коллекции картин государству.
В 20-е годы XX века картины авторства английских художников были разбавлены работами французских импрессионистов и постимпрессионистов.
Особенности
Коллекция картин в галерее «Тейт Британия» строго упорядочены. Каждый отрезок времени имеет свои тематические разделы. Раз в год набор тем меняется, это создает интерес и интригу. Главные экспонаты музея — это картины прерафаэлитов (направление в английской живописи во второй половине XIX века) и воздушные полотна Тернера, которые у нас в России, к сожалению, не представлены.
«Тейт Модерн» занимает помещение бывшей электростанции, ее здание — полноценный арт объект. В ее стенах вы можете взглянуть на картины Дали, Матисса, Кандинского и Пикассо. Здесь тоже экспонаты развешаны по темам, только не по историческим, а более абстрактным: «Вещи в движении», «Поэзия и сновидения», «Существенные изменения».
В авангарде современного искусства Нью-Йорка (1909–12).
Вид на выставку Константина Брынкузи, 291, 1914 г. (опубликовано в Camera Work , № 48, 1916 г.)
1909 год стал для Штиглица не только началом нового пути, но и знаменательным из-за смерти его отца в мае. Эти двое не были особенно близки, но по завещанию отец Штиглица оставил ему значительную на тот момент сумму в 10 тысяч долларов. Штиглиц использовал эту сумму в течение следующих нескольких лет, чтобы сохранить бизнес 291 компании.
Новое искусство и реакция публики на него очень воодушевляли Штиглица; это дало ему новый круг поклонников и последователей в то время, когда он чувствовал себя все менее и менее связанным со своими старыми коллегами по фото-сецессиону. С этого момента курс галереи был задан. С 1909 года и до закрытия в 1917 году на 291 выставках было всего шесть выставок из 61 проведенной выставки.
Смена фокуса галереи привела к объединению группы интеллектуалов и художников, которые сочувствовали целям Штиглица и сами были воодушевлены атмосферой там. После художественного успеха выставки Матисса галерея обрела новую жизнь. В любой день Штиглиц мог быть окружен художниками Джоном Марином , Максом Вебером , Артуром Давом , Марсденом Хартли или Мариусом де Заясом ; авторы и искусствоведы Садакичи Хартманн и Бенджамин Де Кассерес ; финансовые спонсоры Пол Хэвиленд и Агнес Эрнст Мейер; редакторы и сотрудники Джозеф Кейли и Джон Керфут.
У Де Заяса была страсть и видение, которые соответствовали личности Штиглица, и вскоре он помогал определять, какой должна быть эстетика этого нового поколения искусства. Его работы выставлялись в галерее, он написал несколько статей для Camera Work и познакомил Штиглица с некоторыми из новейших европейских художников, выступая в качестве гида и переводчика, когда Штиглиц отправился в путешествие по Европе. Его интерес к африканскому племенному искусству и восхищение кубистскими работами Пикассо убедили Штиглица провести революционные выставки этих предметов в 291 году.
Что касается исторического контекста, то в то время практически никакие другие галереи в США не демонстрировали работы с таким абстрактным и динамичным содержанием. Будь то уже скандальные европейские художники, такие как Пикассо, Матисс или Сезанн, или относительно неизвестные, но вскоре ставшие знаменитыми американцы, такие как Марин, Вебер, Дав или Хартли, у Стиглица было и эстетическое чутье, и наглость, чтобы продемонстрировать людей, которые сейчас признано, что он был в авангарде современного искусства.
На самом деле, чем больше художник приводил публику в заблуждение, тем больше Штиглиц чувствовал себя оправданным в своих усилиях. Когда он представил первую выставку Пикассо в этой стране в 1911 году, Штиглиц с удовольствием сказал критикам, что работы, которые они называли «трепом сумасшедшего», он находил «столь же совершенными, как фуга Баха».
Среди значительных выставок, состоявшихся в этот период, были первые выставки Альфреда Маурера , Джона Марина и Марсдена Хартли , вторые выставки Родена и Матисса, а также важные выставки новых художников Артура Карлеса , Артура Дава и Макса Вебера .
Фон
В начале ХХ века место фотографии в мире изобразительного искусства было еще очень неопределенным. Хотя в Европе и США проводились крупные выставки фотографии, все они оценивались художниками и скульпторами. Фотографов не считали «настоящими» художниками, хотя многие фотографы получали награды в международных салонах. К концу 1890-х годов сам Штиглиц получил более 150 наград по всему миру.
Штиглиц надеялся поднять положение фотографии, убедив Нью-Йоркский киноклуб разрешить ему собрать группу фотографов, которые затем будут единственными судьями фотоконкурса. После более чем года споров с директорами Camera Club, многие из которых не питали страсти к фотографии как искусству, Штиглиц сдался и начал искать другие форумы.
В конце 1900 года он встретил Эдварда Стейхена , который по образованию был художником, но также занимался фотографией. Штайхен разделял энтузиазм и страсть Штиглица, и вскоре они стали планировать, как изменить курс фотографии в Америке. К следующему году они задумали грандиозную выставку фотографии, первую выставку, которую оценивали сами фотографы, и нашли место в Национальном клубе искусств в Нью-Йорке. В марте 1902 года выставка «Американской живописной фотографии, организованная The Photo-Secession » открылась с одобрения критиков. Более того, Штиглиц достиг своей цели — выставку оценили фотографы, поскольку, несмотря на название выставки, по общему мнению, он был единственным лицом, ответственным за отбор участников.
В следующем году Штиглиц еще больше укрепил свою репутацию ведущего сторонника фотографии изобразительного искусства, запустив знаменитый журнал Camera Work при содействии своего друга и коллеги-фотографа Джозефа Кейли . Он ожидал, что Camera Work скоро не только будет полностью финансироваться подписчиками, но и что дополнительный доход от продаж журнала позволит ему и дальше продвигать «фотографию как средство индивидуального самовыражения». Хотя журнал предоставил ему уважаемый форум для демонстрации живописных фотографий и публикации его точек зрения, это не было финансовым успехом. Вместо того, чтобы испугаться этой неудачи, Штиглиц еще больше убедился, что ему удастся убедить мир искусства в том, что фотография по праву принадлежит ему, если только он сможет найти правильную платформу для своего сообщения.
К концу 1904 года Штиглиц оказался в тяжелом положении. Кертис Белл, президент Американской федерации фотографии и откровенный критик Штиглица, организовал выставку под названием «Первый американский фотографический салон» в галереях Clausen Galleries в Нью-Йорке. Его оценило жюри, состоящее из выдающихся американских художников, в том числе Уильяма Мерритта Чейза и Роберта Генри , что обеспечило ему значительный авторитет в мире искусства. Штиглиц и другие фотографы видели в этом прямой вызов репутации Штиглица, которой он явно задумывался.
Штиглиц противодействовал этому шагу, пытаясь привлечь к себе нескольких самых известных фотографов Европы в составе единого фронта. Он поехал в Лондон, чтобы встретиться с некоторыми из основателей известной фотографической группы The Linked Ring , включая Дж. Крэга Аннана, Фредерика Х. Эванса , Элвина Лэнгдона Кобурна и Альфреда Хорли Хинтона. Он надеялся убедить их открыть в Соединенных Штатах отделение Linked Ring, которым он будет руководить. Он также встретился с драматургом Джорджем Бернардом Шоу , который был заядлым фотографом-любителем, о способах популяризации фотографии как вида искусства. К сожалению, Штиглиц заболел, прежде чем любой из этих разговоров ни к чему не привел, и ему пришлось вернуться домой. Он устал, разочаровался и искал окончательный новый способ выполнить свою миссию по продвижению фотографии ради фотографии — независимо от любого другого вида искусства.
Whitney Museum of American Art
Основательница музея, богатая наследница Гертруда Вандербильт Уитни увлеклась искусством после того, как в самом начале ХХ века съездила в Европу. Она даже начала брать уроки ваяния, причем не у кого-нибудь, а самого Огюста Родена, и даже стала довольно успешным скульптором, чьи работы установлены в США и Европе. Но больше всего она прославилась как меценат, помогающий художникам. Собственно, музей, которому Глория передала семьсот работ из своей коллекции, вырос из выставочного зала для начинающих американских авторов. С тех пор собрание увеличилось в десятки раз — сейчас здесь хранится и показывается более двадцати трех тысяч произведений искусства трех тысяч американских художников. Среди них как безусловные звезды, например Марк Ротко, Александр Колдер, Синди Шерман и Марина Абрамович, так и те, кто еще доказывает право на упоминание в истории искусств.
Не так давно Музей Уитни переехал в новое здание, спроектированное Ренцо Пьяно в районе Митпэкинг на Манхэттене, а прежнее занял Музей Метрополитен.
Помимо временных выставок, раз в два года здесь проходит Биеннале Уитни, на которой можно увидеть самое прогрессивное американское искусство.
Cooper Hewitt Museum
Музей Купера-Хьюитта — одна из девятнадцати институций, организованных под крылом Смитсоновского института. Он специализируется не только на современном, но и историческом дизайне, что вполне объяснимо, учитывая его основание еще в 1890-х годах по подобию Музея декоративного искусства в Париже. За прошедшие годы он стал больше, чем просто учебным музеем для будущих дизайнеров и декораторов.
Среди главных экспонатов в коллекции из нескольких сотен предметов — кресло Авраама Линкольна, предметы из Фонтенбло и даже советский агитфарфор. Еще был роллс-ройс группы The Beatles, но музей решил продать его и выручил более $2 млн на развитие.
Музей дизайна неоднократно переезжал и не так давно открылся после реновации в особняке предпринимателя и филантропа Эндрю Карнеги на 5-й авеню. Теперь он оснащен всевозможными мультимедийными новшествами, в том числе волшебной ручкой, с помощью которой можно сделать свою подборку экспонатов и узнать про них решительно всё, а также иммерсивной комнатой, на стены которой можно «наклеить» любые обои из музейного собрания. Здесь также проводятся временные выставки, которые могут быть связаны с конкретным предметом мебели, направлением в дизайне или же персоной.
Поздние годы (1913–1917)
291 Пятая авеню (до 1913 года)
Вид на выставку Эли Надельмана, 291, 1915 (опубликовано в Camera Work , № 48, 1916)
Начиная с 1913 года, Штиглиц начал выражать растущее разочарование по поводу изменений, происходивших в то время в мире. Он написал: «Большая часть энтузиазма, существовавшего в 291 году, постепенно исчезла из-за приближающейся войны. Близкие друзья, казалось, остались на обочине». Штиглиц был особенно обеспокоен тем, что его родители приехали из Германии, и у него все еще было много близких друзей. Хотя он не сочувствовал военным усилиям Германии, он «не мог видеть в Германии что-то не так, а союзников — в порядке». В то же время из-за депрессивной экономики посещаемость галереи резко упала, а подписка на Camera Work упала. Что еще хуже, небольшой отряд добровольцев в галерее практически исчез, когда люди присоединились к вооруженным силам или были вынуждены браться за другую работу, чтобы сводить концы с концами.
И снова на помощь пришел Хэвиленд. В начале 1915 года он сказал Штиглицу, что 291 находится в тупике и нужно что-то смелое, чтобы вернуть его снова. Он собрал близкий круг относительно состоятельных друзей, в том числе Агнес Майер и Дороти Норман, и вместе со Штиглиц они придумали идею публикации нового журнала. Они решили, что на этот раз это будет не только журнал об искусстве, но и само произведение искусства, напечатанное ограниченным тиражом на очень качественной бумаге и репродукциях. Новый журнал, который, по общему мнению, должен был называться , появился в марте 1915 года и вызвал одобрение критиков. В течение следующих четырнадцати месяцев было напечатано двенадцать номеров из 291 экземпляра, в которых были представлены одни из самых авангардных произведений искусства и дизайна того времени.
К сожалению, журнал мало что сделал для возрождения статуса галереи. Штиглиц продолжал устраивать выдающиеся спектакли, но общее влияние нарастающей военной напряженности на экономику было невозможно преодолеть. В 1916 году Штиглиц познакомился с Джорджией О’Киф . В первые годы их отношений О’Киф был источником вдохновения для фотографии Штиглица и источником творческой энергии. Другие владельцы галерей-мужчин в то время обычно не искали и не выставляли женские работы, однако Штиглиц верил в законность женщин как художников и включал работы Джорджии во многие групповые выставки и в индивидуальную выставку ее работ 3 апреля 1917 года. Однако его реклама работ О’Киф в его галерее и его представление о ней как о художнице во многом объяснялись ее женственностью и присутствием в ее работах.
В июне 1917 года, всего через два месяца после того, как Соединенные Штаты объявили войну Германии, Штиглиц закрыл 291 . Он сделал фотографию под названием «Последние дни 291 года» (Национальная художественная галерея, собрание Альфреда Штиглица), которая символизировала его чувства в то время. На нем изображена модель молодого солдата, вооруженного мечом и метлой, охраняющего позади себя произведения искусства. Рядом с ним наблюдает пожилой, перевязанный воин, который, возможно, изображает самого Штиглица как человека, раненного в битве, чтобы защитить искусство, которое теперь должно охранять новое поколение.
Позже Штиглиц вернется в Нью-Йорк, чтобы управлять еще двумя галереями. С 1925 по 1929 год он руководил Интимной галереей, демонстрируя работы американских художников, в том числе Марсдена Хартли, Артура Дава , Джона Марина , Пола Стрэнда , Чарльза Демута и Джорджию О’Киф , которая к тому времени стала его женой. В 1929 году он открыл «Американское место», где представлял работы семи американцев (Хартли, Марин, Дав, Демут, О’Киф, Стрэнд и Штиглиц) вплоть до своей смерти в 1946 году.
Metropolitan Museum
Гранд-музей с точки зрения полноты и тематики коллекций, один из самых посещаемых музеев мира, Метрополитен расположен на 5-й авеню и входит в так называемую Музейную милю. Его основой почти сто пятьдесят лет назад стали три частные коллекции европейской живописи. С тех пор собрание музея существенно выросло (сейчас оно насчитывает около двух миллионов экспонатов) и расширилось тематически: здесь представлены коллекции, посвященные Древнему Египту, античному и африканскому искусству, оружию и доспехам разных стран и эпох, живописи импрессионистов и постимпрессионистов, а также располагается Институт костюма с его ежегодным балом Met Gala, собирающим звезд из мира моды, кино, искусства и музыки. Исходя из широкого спектра произведений искусства в постоянной экспозиции, временные выставки также весьма разнообразны — от проектов, связанных с древними цивилизациями до современного искусства, фотографии и моды.
